Qué está pasando en el entretenimiento en vivo. Hacemos un sondeo de las propuestas que están transformando el sector a escala global.
Estás en Los Ángeles. Entras a un hospital. No hay médicos, no hay pacientes y las paredes ya no son blancas. Hay arte: obras a gran escala que inundan los diferentes espacios, resignificándolos mientras derraman color sobre los muros y las camillas. Setenta artistas contemporáneos, ocho emociones —alegría, amor, miedo, ira, esperanza, tristeza, gratitud y resiliencia— y múltiples formatos.
Hospital of Emotions ha abierto sus puertas y pretende que el espectador abrace un espacio conocido desde una comprensión distinta de ese universo. A través de arte visual, instalaciones, arquitectura, ilustración y escenografías, la experiencia busca provocar nuevas conexiones con el mundo interior del visitante y una conciencia más profunda de las emociones que atraviesan el entorno.
Instalación de Melan Allen en Hospital of Emotions, una experiencia inmersiva que transforma un hospital abandonado en un recorrido emocional y artístico. Crédito: hospitalofemotions.com
Esta es, precisamente, una de las premisas más potentes del entretenimiento contemporáneo. La recurrencia a clásicos, imaginarios reconocibles u obras emocionalmente profundas —releídas y reformuladas en nuevos formatos— dispara de manera certera a dos tipos de audiencia: los fans de siempre y un público general que empieza a acercarse a este tipo de consumo cultural.
La inmersión como tendencia
En este sentido, la tendencia más clara del panorama global es la construcción de universos completos que el espectador habita. En Kyoto acaba de abrir Uzumasa Kyoto Village, donde el período Edo se reconstruye en escala real: casas de juego, ceremonias de té, procesiones nupciales que convierten todo el recinto en un escenario que pasa “desapercibido”. En Chicago, The Hand & The Eye ocupa cinco plantas de la mansión McCormick con 37 espacios inmersivos —teatros, bares, salones, comedores, un atelier— donde la magia no es el espectáculo sino el entorno completo.
Procesión nupcial tradicional japonesa en Uzumasa Kyoto Village, el espacio inmersivo de Kyoto que recrea el período Edo a escala real. Crédito: www.toei-eigamura.com
La pregunta que atraviesa muchos de estos formatos es la misma: ¿qué ocurre cuando una experiencia deja de tener un inicio y un final claros y pasa a funcionar simplemente como un lugar?
Esa parece ser una de las grandes transformaciones del entretenimiento contemporáneo. La utilización de formatos inmersivos para incentivar la extrapolación a otros mundos y el despertar de las emociones.
Ahora bien, ¿dónde se establecen los límites de la narrativa y del espacio inmersivo? ¿Existen realmente? Lo inmersivo parece funcionar menos como un género y más como una manera de construir experiencias, un lenguaje capaz de desdoblar y poner en diálogo distintas manifestaciones artísticas. Pero el formato, por sí solo, ya no basta. Necesita una historia, una emoción o un imaginario compartido que active una conexión real con el espectador. De lo contrario, el riesgo es que la experiencia termine reducida a una sucesión de estímulos visuales, pero no emocionales.
Tendencia 1: La desaparición de fronteras entre formatos
El entretenimiento en vivo atraviesa un momento particularmente difícil de clasificar. Los límites entre disciplinas empiezan a desdibujarse hasta el punto de volver casi inútiles ciertas categorías tradicionales: teatro, exposición, concierto, instalación, parque temático. Lo escénico absorbe códigos museográficos; las exposiciones incorporan dramaturgia; los musicales toman elementos del clubbing, la arquitectura o el cine inmersivo; incluso el retail y la gastronomía empiezan a construirse desde una lógica narrativa más cercana a la experiencia que al consumo.
En Londres, ABBA Voyage eliminó directamente la presencia física de la banda para construir un concierto híbrido entre espectáculo musical, avatar digital y simulación tecnológica. En Las Vegas, Sphere terminó convirtiéndose en un formato en sí mismo: pantalla, arquitectura y show como una única pieza narrativa. El espacio pasa a convertirse en la experiencia.
Ese modo de hacer aparece también en propuestas donde la ficción invade la totalidad del recorrido. Cabaret, producido por LETSGO en Madrid, no se plantea únicamente como una representación teatral, sino como una experiencia escénica expandida. El público entra en el Kit Kat Klub antes incluso de ocupar su asiento: mesas sobre el escenario, performers desplazándose entre espectadores, música en directo y una configuración espacial que elimina la distancia tradicional entre platea y ficción. La obra no ocurre “delante”; ocurre alrededor.
Producción de Cabaret de LETSGO en Madrid, donde el teatro se transforma en el Kit Kat Klub y la ficción invade completamente el espacio escénico. Foto: LETSGO
En esa mezcla constante de lenguajes quizá se encuentre una de las transformaciones más visibles del sector. El entretenimiento contemporáneo parece cada vez menos interesado en defender formatos puros y se inclina hacia lugares que funcionan simultáneamente como espectáculo, instalación y espacio social.
Tendencia 2: El espacio como núcleo narrativo
Durante décadas, el espacio funcionó como soporte. Un teatro alojaba una obra; una nave industrial alojaba una exposición; un museo alojaba una colección. Hoy, en muchos proyectos internacionales, la arquitectura pasa a formar parte del argumento.
La proliferación de experiencias site-specific revela precisamente esa nueva dimensión. Ya no se trata únicamente de intervenir un espacio, sino de construir una narrativa inseparable de él. En Nueva York, Sleep No More convirtió durante años el hotel McKittrick en una reinterpretación laberíntica de Macbeth: habitaciones, pasillos, escaleras y salones funcionaban como fragmentos narrativos que el público recorría libremente. La historia se descubría físicamente.
En Santa Fe, las instalaciones permanentes de Meow Wolf mezclan ciencia ficción, arte contemporáneo, túneles, supermercados y arquitectura interactiva hasta producir algo más cercano a un universo navegable que a una exposición.
The Forest, una de las instalaciones permanentes de Meow Wolf en Santa Fe, donde arte, arquitectura y narrativa inmersiva se mezclan en un universo navegable. Crédito: meowwolf.com
Esta tendencia también atraviesa buena parte de las experiencias desarrolladas por LETSGO. Tim Burton: El Laberinto utiliza la propia estructura espacial como motor narrativo: puertas, bifurcaciones y decisiones convierten el recorrido en una experiencia distinta para cada visitante. El espectador avanza literalmente a través de la mente visual de Burton, atravesando escenarios que funcionan como extensiones físicas de su imaginario cinematográfico.
Tim Burton: El Laberinto, la experiencia inmersiva de LETSGO que convierte el imaginario visual del director en un recorrido físico lleno de bifurcaciones, escenarios y universos cinematográficos. Foto: LETSGO
Tendencia 3: La expansión de las propiedades intelectuales
El crecimiento del entretenimiento inmersivo también ha modificado la manera en que las grandes franquicias culturales se relacionan con el espacio físico. Cine, televisión, videojuegos o música ya no terminan en la pantalla: se expanden hacia experiencias capaces de prolongar sus universos narrativos más allá del formato original.
En Shanghái, Harry Potter Studio Tour transforma decorados, criaturas y procesos cinematográficos en un recorrido físico de varias horas donde la experiencia consiste en vivir el universo completo de la saga.
La tendencia también atraviesa el sector experiencial en otras regiones. The FRIENDS Experience o Stranger Things: The Experience funcionan desde una premisa muy concreta: activar la familiaridad emocional del público y convertirla en permanencia física. La inmersión se vuelve inmediata porque el imaginario ya estaba previamente interiorizado.
Stranger Things: The Experience, la experiencia inmersiva inspirada en la serie de Netflix que traslada Hawkins al espacio físico a través de escenografías, narrativa interactiva y referencias reconocibles para los fans. Foto: LETSGO
Tendencia 4: El musical como experiencia expandida
El teatro musical atraviesa también una transformación importante. Durante décadas, el formato Broadway y West End funcionó de manera relativamente estable: escenario frontal, separación clara entre ficción y público, narrativa lineal y una experiencia espacial contenida dentro de los límites del teatro tradicional.
Buena parte de las producciones contemporáneas empiezan a cuestionar esa estructura.
La expansión del formato inmersivo, el auge del diseño experiencial y la influencia de otros lenguajes visuales —cine, conciertos, instalaciones, clubbing o arte digital— han modificado la manera en que muchos musicales construyen hoy su relación con el espacio y con el espectador.
En Nueva York, Masquerade reimagina El Fantasma de la Ópera como un recorrido performativo de varias plantas donde pequeños grupos atraviesan escenas íntimas a pocos centímetros de los intérpretes. La obra no cambia argumentalmente, sino físicamente. Ese cambio altera completamente la percepción emocional del relato.
Masquerade, la reinterpretación inmersiva de El Fantasma de la Ópera en Nueva York, transforma el musical en un recorrido performativo donde el público atraviesa la ficción a pocos centímetros de los intérpretes. Crédito: masqueradenyc.com
La misma transformación aparece en nuevas producciones de musicales donde el espacio deja de funcionar únicamente como escenografía. Cabaret convierte el teatro en un club activo donde música, performers y público comparten una misma atmósfera. La experiencia comienza antes de la función y continúa más allá de ella.
Pero la transformación del musical no se reduce únicamente a lo inmersivo. También aparece en la escala visual y tecnológica de las producciones contemporáneas. En espectáculos como Starlight Express en Londres o las nuevas adaptaciones escénicas impulsadas por inteligencia artificial, automatización y diseño digital, el escenario empieza a comportarse cada vez más como un sistema dinámico de imágenes en movimiento.
Incluso musicales aparentemente tradicionales empiezan a absorber modos de hacer propios de concierto, experiencia premium o evento social. El teatro deja de ser únicamente un espacio de representación para convertirse en una experiencia más amplia de permanencia y atmósfera.
Tendencia 5: La espectacularidad silenciosa de la tecnología
La tecnología sigue siendo uno de los grandes motores del entretenimiento contemporáneo, pero su presencia empieza a cambiar. Durante años, buena parte de la industria construyó experiencias donde el dispositivo técnico era el centro visible del espectáculo: proyecciones monumentales, pantallas, realidad virtual, efectos interactivos.
Hoy muchas propuestas parecen avanzar en sentido contrario. La sofisticación tecnológica continúa creciendo, pero cada vez más integrada dentro de la experiencia hasta volverse prácticamente invisible.
En Corea del Sur, las instalaciones de d’strict convierten fachadas urbanas completas en ilusiones digitales a gran escala capaces de modificar temporalmente la percepción arquitectónica del espacio público.
La cuestión, más que mostrar innovación, se centra en recurrir a la credibilidad emocional.
Wave, la instalación digital de d’strict que transforma una fachada urbana en una gigantesca ilusión oceánica mediante tecnología inmersiva y arquitectura visual. Imagen cortesía de K11 y d’strict.
En Jurassic World: The Experience, la tecnología funciona desde esa invisibilidad. Animatrónica, sonido espacial, iluminación y diseño ambiental no aparecen como demostración técnica autónoma; operan conjuntamente para construir una ficción físicamente aceptable durante el recorrido.
Quizá una de las paradojas más interesantes del panorama actual sea que cuanto más sofisticada se vuelve la tecnología, menos necesita exhibirse.
Jurassic World: The Experience evidencia el papel de la tecnología en la expansión del entretenimiento inmersivo en vivo como nuevo estándar cultural. Foto: LETSGO
El entretenimiento en vivo atraviesa un momento de transformación difícil de reducir a una única tendencia. Las fronteras entre disciplinas se diluyen, las propiedades intelectuales abandonan la pantalla para ocupar el espacio físico y la arquitectura comienza a funcionar como narrativa.
Lo inmersivo ya no aparece únicamente como formato, sino como lenguaje transversal capaz de atravesar teatro, música, exposiciones, gastronomía o entretenimiento experiencial.
Probablemente ahí reside el verdadero cambio del sector: en la construcción de espacios que envuelven al espectador para permitirle escapar de su realidad inmediata.
Por La Pluma de LETSGO, Claudia Pérez Carbonell, a 29 de mayo de 2026
