El papel del sonido en la construcción emocional, sensorial y narrativa de las experiencias inmersivas.

 

De la pasividad digital a la actividad inmersiva

Vivimos rodeados de estímulos. Las pantallas han redefinido nuestra relación con la atención. Cada interacción digital —un scroll, un clic, una notificación— activa pequeñas descargas de recompensa que fragmentan la experiencia en unidades cada vez más breves. Consumimos más que nunca, pero de forma cada vez más pasiva.

La sobrecarga de estimulación y la fatiga perceptiva han propiciado, casi de forma inevitable, el surgimiento de nuevas formas de experiencia que operan en dirección contraria. Frente a la lógica de la observación pasiva, determinadas prácticas artísticas y de entretenimiento han comenzado a explorar modelos más activos, que exigen presencia, implicación y respuesta.

El auge de las experiencias inmersivas e interactivas responde, en parte, a esa necesidad latente: la de volver a activar los sentidos que permanecen adormecidos en la rutina cotidiana. Se busca entrar, recorrer, decidir, formar parte. No tanto ser testigo de una historia como habitarla y, en cierta medida, tener el poder y la oportunidad de intervenir en ella.

 

Producción: Cabaret. Foto: LETSGO.

 

Habitar la historia: el relato como experiencia sensorial

La narrativa inmersiva, por tanto, no se limita a contar historias, sino que las convierte en espacios habitables. Funciona como un dispositivo de tránsito, un móvil que desplaza al espectador hacia otros contextos —otra época, otro lugar, otra lógica emocional— mediante una combinación precisa de herramientas escénicas, tecnológicas y sensoriales.

En este tipo de experiencias, el relato ya no es algo que se observa, sino que se atraviesa. Y en ese desplazamiento, la música, el espacio, la luz o el cuerpo no solo acompañan la historia, también, y sobre todo, la construyen.

No es casual. Como señala Margaret Kerrison (2022):

Trabajamos con la emoción; y para llegar al corazón, una buena narrativa tiene que nacer del corazón.

La emoción es aquí la materia prima del relato. Es, en cierto modo, la arcilla que se moldea en el torno de la experiencia humana. Pero esa experiencia no ocurre en abstracto: se produce a través del cuerpo. Percibimos el mundo —y, por tanto, también las historias— mediante un sistema sensorial que traduce estímulos en significado. El tacto, el sonido, la imagen, el olor o incluso la textura del espacio activan respuestas que condicionan nuestra forma de interpretar lo que sucede.

La pregunta, entonces, no es solo qué se cuenta, sino qué ocurre cuando un relato nos atraviesa físicamente y altera —aunque sea de forma sutil— nuestra percepción de la realidad. Ahí es donde realmente se puede llegar a experimentar, incluso de forma consciente, la emoción.

 

Producción: El juego del calamar: The Experience. Foto: LETSGO.

 

La lógica de la narrativa sensorial

Aquí conviene detenerse en una distinción fundamental: no es lo mismo la historia —la secuencia cronológica y lineal de acontecimientos— que la narrativa, entendida como el sistema de decisiones que determina cómo se percibe, se siente y se experimenta esa historia. En lo inmersivo, esa diferencia es clave.

Porque si algo define este tipo de propuestas es el paso de un lenguaje narrativo tradicional a un lenguaje emocional primario, donde la comprensión no es únicamente intelectual, sino física y sensorial. Es ahí donde emerge lo que podemos denominar narrativa sensorial: una forma de construcción del relato que opera a través de estímulos, atmósferas y ritmos más que de explicaciones. En este contexto hay multiplicidad de estímulos, de historias, de maneras de contar y recibir el relato.

Los ejemplos más sólidos de narrativa inmersiva, más allá de su formato o escala, tienden a compartir una serie de características comunes (Kerrison, 2022):

• La centralidad de la emoción como motor narrativo
• La activación coordinada de múltiples sentidos
• La construcción verosímil de un tiempo y un espacio propios
• La invitación explícita a la participación y al juego
• Y el incentivo de la interacción social como parte de la experiencia

 

Producción: Stranger Things: The Experience. Foto: LETSGO.

 

El sonido inmersivo como herencia del arte instalativo

En este punto, la música —como uno de los grandes artífices del mundo creado en la experiencia inmersiva—, adquiere nuevos signos que la aproximan más a los códigos del arte contemporáneo. Desde hace décadas, artistas como Brian Eno, Janet Cardiff u Olafur Eliasson han trabajado el sonido como una forma de construir espacio, alterar la percepción y coreografiar la experiencia del espectador.

Lo relevante no es la analogía estética, sino la lógica que comparten: el sonido como entorno. En lugar de subrayar una acción, la música define un estado y un ambiente, lo que le permite modular el tiempo interno de quien la atraviesa.

Bajo esta perspectiva, muchas experiencias inmersivas contemporáneas no están inventando un nuevo lenguaje, sino trasladando —con otras herramientas y escalas— principios que el arte instalativo lleva años explorando.

 

Producción: Jurassic World: The Experience. Foto: LETSGO.

 

La música como arquitectura invisible: experiencias inmersivas contemporáneas

Si trasladamos esta lógica al ámbito de las experiencias inmersivas más actuales, la música deja de ser un elemento de apoyo para convertirse en una herramienta estructural.

En propuestas como Cabaret —uno de los casos más singulares—, la música adquiere un papel especialmente decisivo. Es en momentos como el preshow donde su función se vuelve más evidente: no se trata solo de ambientar, sino de absorber progresivamente al espectador dentro del universo escénico. Músicos y actores recorren el espacio, cantan, se acercan, interpelan; el sonido no permanece en un lugar fijo, sino que circula, envuelve y desplaza la atención.

Así se construye una atmósfera sostenida que no se percibe como construcción, sino como una realidad momentánea: la ilusión de estar tomando una copa en un club del Berlín de entreguerras. En ese contexto, la música tiene un papel activo como legitimadora de la experiencia; es el mecanismo que desplaza al espectador de la observación a la implicación, integrándolo —casi sin advertirlo— dentro del sistema dramático.

 

Producción: El Imperio Fan Contraataca. Foto: LETSGO.

 

En experiencias como Jurassic World: The Experience, el uso de un imaginario sonoro reconocible introduce una capa adicional de significado. La música no solo construye tensión o espectacularidad, sino que activa una memoria previa en el espectador, conectando la experiencia física con un universo narrativo ya interiorizado. El resultado es una percepción amplificada, donde lo vivido se mezcla con lo recordado.

En el caso de El juego del calamar: The Experience, la música y el diseño sonoro operan desde una lógica distinta, pero igualmente precisa. Lejos de construir una atmósfera envolvente en sentido clásico, el sonido introduce una tensión constante a través de contrastes reconocibles: melodías aparentemente inocentes que conviven con dinámicas de juego y peligro. Esta fricción sonora no solo remite al universo original, sino que condiciona directamente la respuesta del espectador, activando una alerta casi física. Aquí, la música no busca tanto integrar como desestabilizar, recordando en todo momento que la experiencia no es únicamente lúdica, sino también competitiva y vulnerable.

 

Producción: Tim Burton: El Laberinto. Foto: LETSGO.

 

Por su parte, en Tim Burton: El laberinto, el diseño sonoro se articula en torno a la propia estructura de la experiencia: un recorrido laberíntico en el que el espectador elige su propio camino. Cada sala, construida a partir de distintas películas y personajes, despliega una identidad sonora específica que no solo ambienta, sino que orienta y diferencia los espacios.

Aquí, la música es crucial. No solo por su función inmersiva, sino porque forma parte del ADN del propio universo burtoniano. Las composiciones de Danny Elfman —con su mezcla de extrañeza, lirismo y oscuridad— completan la identidad de cada imagen. Trasladadas al espacio expositivo, operan como un sistema de cohesión que permite que, pese a la fragmentación del recorrido, el espectador perciba un mundo reconocible y coherente.

 

Producción: Avatar: The Experience. Foto: LETSGO.

 

En propuestas como Navegantes, la inmersión se construye a partir de un relato interno claramente articulado, en el que luz, música y tecnología operan de forma integrada. El espectáculo transforma los jardines del Alcázar de los Reyes Cristianos en un entorno escénico que remite a la primera reunión entre Cristóbal Colón y los Reyes Católicos, un acontecimiento que marca el inicio de una expedición que cambiaría el curso de la historia.

La música, en este contexto, no solo acompaña la transformación visual del entorno, sino que contribuye a dotar de continuidad emocional a un momento histórico fragmentado en imágenes, reforzando la sensación de tránsito hacia otra época.

 

Producción: Naturaleza Encendida. Foto: LETSGO.

 

En todos estos ejemplos, la música comparte una misma función de fondo: no se percibe necesariamente como protagonista, pero condiciona de forma decisiva la experiencia. Es un lenguaje que opera por debajo de lo evidente, organizando el tiempo, el espacio y la emoción.

 

Por La Pluma de LETSGO, Claudia Pérez Carbonell, a 17 de abril de 2026