Vivimos rodeados de est\u00edmulos. Las pantallas han redefinido nuestra relaci\u00f3n con la atenci\u00f3n. Cada interacci\u00f3n digital \u2014un scroll<\/em>, un clic, una notificaci\u00f3n\u2014 activa peque\u00f1as descargas de recompensa que fragmentan la experiencia en unidades cada vez m\u00e1s breves. Consumimos m\u00e1s que nunca, pero de forma cada vez m\u00e1s pasiva.<\/p>\n La sobrecarga de estimulaci\u00f3n y la fatiga perceptiva han propiciado, casi de forma inevitable, el surgimiento de nuevas formas de experiencia que operan en direcci\u00f3n contraria. Frente a la l\u00f3gica de la observaci\u00f3n pasiva, determinadas pr\u00e1cticas art\u00edsticas y de entretenimiento han comenzado a explorar modelos m\u00e1s activos, que exigen presencia, implicaci\u00f3n y respuesta.<\/p>\n El auge de las experiencias inmersivas e interactivas responde, en parte, a esa necesidad latente: la de volver a activar los sentidos que permanecen adormecidos en la rutina cotidiana. Se busca entrar, recorrer, decidir, formar parte. No tanto ser testigo de una historia como habitarla y, en cierta medida, tener el poder y la oportunidad de intervenir en ella<\/strong>.<\/p>\n <\/p>\n Producci\u00f3n: Cabaret<\/em><\/a><\/strong><\/span>. Foto: LETSGO.<\/p>\n <\/p>\n La narrativa inmersiva<\/strong>, por tanto, no se limita a contar historias, sino que las convierte en espacios habitables. Funciona como un dispositivo de tr\u00e1nsito, un m\u00f3vil que desplaza al espectador hacia otros contextos \u2014otra \u00e9poca, otro lugar, otra l\u00f3gica emocional\u2014 mediante una combinaci\u00f3n precisa de herramientas esc\u00e9nicas, tecnol\u00f3gicas y sensoriales.<\/p>\n En este tipo de experiencias, el relato ya no es algo que se observa, sino que se atraviesa. Y en ese desplazamiento, la m\u00fasica<\/a><\/strong><\/span>, el espacio, la luz<\/a><\/strong> <\/span>o el cuerpo no solo acompa\u00f1an la historia, tambi\u00e9n, y sobre todo, la construyen.<\/p>\n No es casual. Como se\u00f1ala Margaret Kerrison (2022):<\/p>\n Trabajamos con la emoci\u00f3n; y para llegar al coraz\u00f3n, una buena narrativa tiene que nacer del coraz\u00f3n.<\/p>\n<\/blockquote>\n La emoci\u00f3n es aqu\u00ed la materia prima del relato. Es, en cierto modo, la arcilla que se moldea en el torno de la experiencia humana. Pero esa experiencia no ocurre en abstracto: se produce a trav\u00e9s del cuerpo. Percibimos el mundo \u2014y, por tanto, tambi\u00e9n las historias\u2014 mediante un sistema sensorial que traduce est\u00edmulos en significado. El tacto, el sonido, la imagen, el olor o incluso la textura del espacio activan respuestas que condicionan nuestra forma de interpretar lo que sucede.<\/p>\n La pregunta, entonces, no es solo qu\u00e9 se cuenta, sino qu\u00e9 ocurre cuando un relato nos atraviesa f\u00edsicamente y altera \u2014aunque sea de forma sutil\u2014 nuestra percepci\u00f3n de la realidad. Ah\u00ed es donde realmente se puede llegar a experimentar, incluso de forma consciente, la emoci\u00f3n.<\/p>\n <\/p>\n Producci\u00f3n: El juego del calamar: The Experience<\/em>. Foto: LETSGO.<\/p>\n <\/p>\n Aqu\u00ed conviene detenerse en una distinci\u00f3n fundamental: no es lo mismo la historia<\/em> \u2014la secuencia cronol\u00f3gica y lineal de acontecimientos\u2014 que la narrativa<\/em>, entendida como el sistema de decisiones que determina c\u00f3mo se percibe, se siente y se experimenta<\/strong> esa historia. En lo inmersivo, esa diferencia es clave.<\/p>\n Porque si algo define este tipo de propuestas es el paso de un lenguaje narrativo tradicional a un lenguaje emocional primario<\/strong>, donde la comprensi\u00f3n no es \u00fanicamente intelectual, sino f\u00edsica y sensorial. Es ah\u00ed donde emerge lo que podemos denominar narrativa sensorial<\/strong>: una forma de construcci\u00f3n del relato que opera a trav\u00e9s de est\u00edmulos, atm\u00f3sferas y ritmos m\u00e1s que de explicaciones. En este contexto hay multiplicidad de est\u00edmulos, de historias, de maneras de contar y recibir el relato.<\/p>\n Los ejemplos m\u00e1s s\u00f3lidos de narrativa inmersiva, m\u00e1s all\u00e1 de su formato o escala, tienden a compartir una serie de caracter\u00edsticas comunes (Kerrison, 2022):<\/p>\n <\/p>\n Producci\u00f3n: Stranger Things: The Experience<\/em><\/strong><\/a><\/span>. Foto: LETSGO.<\/p>\n <\/p>\n En este punto, la m\u00fasica<\/strong> \u2014como uno de los grandes art\u00edfices del mundo creado en la experiencia inmersiva\u2014, adquiere nuevos signos que la aproximan m\u00e1s a los c\u00f3digos del arte contempor\u00e1neo<\/strong>. Desde hace d\u00e9cadas, artistas como Brian Eno, Janet Cardiff u Olafur Eliasson han trabajado el sonido como una forma de construir espacio, alterar la percepci\u00f3n y coreografiar la experiencia del espectador.<\/p>\n Lo relevante no es la analog\u00eda est\u00e9tica, sino la l\u00f3gica que comparten: el sonido como entorno. En lugar de subrayar una acci\u00f3n, la m\u00fasica define un estado y un ambiente, lo que le permite modular el tiempo interno de quien la atraviesa.<\/p>\n Bajo esta perspectiva, muchas experiencias inmersivas contempor\u00e1neas no est\u00e1n inventando un nuevo lenguaje, sino trasladando \u2014con otras herramientas y escalas\u2014 principios que el arte instalativo lleva a\u00f1os explorando.<\/p>\n <\/p>\n Producci\u00f3n: Jurassic World: The Experience<\/em>. Foto: LETSGO.<\/p>\n <\/p>\n Si trasladamos esta l\u00f3gica al \u00e1mbito de las experiencias inmersivas m\u00e1s actuales, la m\u00fasica deja de ser un elemento de apoyo para convertirse en una herramienta estructural.<\/p>\n En propuestas como Cabaret<\/em><\/a><\/span> <\/strong><\/span>\u2014uno de los casos m\u00e1s singulares\u2014, la m\u00fasica adquiere un papel especialmente decisivo. Es en momentos como el preshow donde su funci\u00f3n se vuelve m\u00e1s evidente: no se trata solo de ambientar, sino de absorber progresivamente al espectador dentro del universo esc\u00e9nico. M\u00fasicos y actores recorren el espacio, cantan, se acercan, interpelan; el sonido no permanece en un lugar fijo, sino que circula, envuelve y desplaza la atenci\u00f3n.<\/p>\n As\u00ed se construye una atm\u00f3sfera sostenida que no se percibe como construcci\u00f3n, sino como una realidad moment\u00e1nea: la ilusi\u00f3n de estar tomando una copa en un club del Berl\u00edn de entreguerras. En ese contexto, la m\u00fasica tiene un papel activo como legitimadora de la experiencia; es el mecanismo que desplaza al espectador de la observaci\u00f3n a la implicaci\u00f3n, integr\u00e1ndolo \u2014casi sin advertirlo\u2014 dentro del sistema dram\u00e1tico.<\/p>\n <\/p>\n Producci\u00f3n: El Imperio Fan Contraataca<\/em><\/strong><\/a><\/span>. Foto: LETSGO.<\/p>\n <\/p>\n En experiencias como Jurassic World: The Experience<\/a><\/em><\/span><\/strong>, el uso de un imaginario sonoro reconocible introduce una capa adicional de significado. La m\u00fasica no solo construye tensi\u00f3n o espectacularidad, sino que activa una memoria previa en el espectador, conectando la experiencia f\u00edsica con un universo narrativo ya interiorizado. El resultado es una percepci\u00f3n amplificada, donde lo vivido se mezcla con lo recordado.<\/p>\n En el caso de El juego del calamar: The Experience<\/a><\/em><\/span><\/strong>, la m\u00fasica y el dise\u00f1o sonoro operan desde una l\u00f3gica distinta, pero igualmente precisa. Lejos de construir una atm\u00f3sfera envolvente en sentido cl\u00e1sico, el sonido introduce una tensi\u00f3n constante a trav\u00e9s de contrastes reconocibles: melod\u00edas aparentemente inocentes que conviven con din\u00e1micas de juego y peligro. Esta fricci\u00f3n sonora no solo remite al universo original, sino que condiciona directamente la respuesta del espectador, activando una alerta casi f\u00edsica. Aqu\u00ed, la m\u00fasica no busca tanto integrar como desestabilizar, recordando en todo momento que la experiencia no es \u00fanicamente l\u00fadica, sino tambi\u00e9n competitiva y vulnerable.<\/p>\n <\/p>\n Producci\u00f3n: Tim Burton: El Laberinto<\/em><\/strong><\/a><\/span>. Foto: LETSGO.<\/p>\n <\/p>\n Por su parte, en Tim Burton: El laberinto<\/em><\/a><\/strong><\/span>, el dise\u00f1o sonoro se articula en torno a la propia estructura de la experiencia: un recorrido laber\u00edntico en el que el espectador elige su propio camino. Cada sala, construida a partir de distintas pel\u00edculas y personajes, despliega una identidad sonora espec\u00edfica que no solo ambienta, sino que orienta y diferencia los espacios.<\/p>\n Aqu\u00ed, la m\u00fasica es crucial. No solo por su funci\u00f3n inmersiva, sino porque forma parte del ADN del propio universo burtoniano. Las composiciones de Danny Elfman \u2014con su mezcla de extra\u00f1eza, lirismo y oscuridad\u2014 completan la identidad de cada imagen. Trasladadas al espacio expositivo, operan como un sistema de cohesi\u00f3n que permite que, pese a la fragmentaci\u00f3n del recorrido, el espectador perciba un mundo reconocible y coherente.<\/p>\n <\/p>\n Producci\u00f3n: Avatar: The Experience<\/em><\/a><\/strong><\/span>. Foto: LETSGO.<\/p>\n <\/p>\n En propuestas como Navegantes<\/a><\/em><\/strong><\/span>, la inmersi\u00f3n se construye a partir de un relato interno claramente articulado, en el que luz, m\u00fasica y tecnolog\u00eda operan de forma integrada. El espect\u00e1culo transforma los jardines del Alc\u00e1zar de los Reyes Cristianos en un entorno esc\u00e9nico que remite a la primera reuni\u00f3n entre Crist\u00f3bal Col\u00f3n y los Reyes Cat\u00f3licos, un acontecimiento que marca el inicio de una expedici\u00f3n que cambiar\u00eda el curso de la historia.<\/p>\n La m\u00fasica, en este contexto, no solo acompa\u00f1a la transformaci\u00f3n visual del entorno, sino que contribuye a dotar de continuidad emocional a un momento hist\u00f3rico fragmentado en im\u00e1genes, reforzando la sensaci\u00f3n de tr\u00e1nsito hacia otra \u00e9poca.<\/p>\n <\/p>\n Producci\u00f3n: Naturaleza Encendida<\/em><\/a><\/strong><\/span>. Foto: LETSGO.<\/p>\n <\/p>\n En todos estos ejemplos, la m\u00fasica comparte una misma funci\u00f3n de fondo: no se percibe necesariamente como protagonista, pero condiciona de forma decisiva la experiencia. Es un lenguaje que opera por debajo de lo evidente, organizando el tiempo, el espacio y la emoci\u00f3n.<\/p>\n <\/p>\n Por La Pluma de LETSGO, Claudia P\u00e9rez Carbonell, a 17 de abril de 2026<\/p>\n <\/p>\n <\/p>\n \u00a0<\/span><\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":" El papel del sonido en la construcci\u00f3n emocional, sensorial y narrativa de las experiencias inmersivas. De la pasividad digital a la actividad inmersiva Vivimos rodeados de est\u00edmulos. Las pantallas han redefinido nuestra relaci\u00f3n con la atenci\u00f3n. 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His professional range spans from opera productions in emblematic venues like the Op\u00e9ra Bastille in Paris and Teatro alla Scala in Milan, to international musicals such as The Phantom of the Opera<\/em><\/a><\/strong>, Cabaret<\/em><\/a><\/strong>, or West Side Story<\/em>; ballet (A Thousand Tales<\/em>, Alice in Wonderland<\/em>, etc.), and haute couture fashion shows for brands like Valentino and Dolce & Gabbana. He has received numerous awards, including the Italian Musical Oscar and Best Lighting Design.<\/p> His work strikes a natural balance between technical precision and aesthetic sensitivity \u2014which is no small feat. In this interview, he opens up about his creative process, his reflections, and the challenges of lighting vastly different worlds: the theatre stage and the fashion runway.<\/p> \u00a0<\/p> Tiberi recalls that his relationship with LETSGO dates back at least to 2016, when they produced Dirty Dancing<\/em> in Spain for the first time:<\/p> I came with Federico Bellone; we were the original creative team. Since then, we\u2019ve done many productions [with LETSGO], but without a doubt, the most successful one is The Phantom of the Opera<\/a><\/strong><\/em>.<\/p><\/blockquote> Being part of the first Spanish-language production of one of the most successful musicals in history was a challenge in every sense. Tiberi remembers staging Phantom<\/em> at Teatro Alb\u00e9niz as \u201ca very difficult project.\u201d This is where the intricacies of lighting design come into play, when theory meets the hard ground of practice:<\/p> The biggest challenge was finding the physical space to place the light. We can all come up with incredible ideas, but my job is to make them into reality.<\/p><\/blockquote> Lighting design by Valerio Tiberi for The Phantom of the Opera<\/em> (Madrid production). Photo: LETSGO.<\/p> \u00a0<\/p> It was one of those times when art has to come down to earth: adapting to budgets, technical layouts, timelines, and spatial limitations. Finding the perfect spot for the light, and projecting from there.<\/p> We used very powerful light sources that could do several things at once: specials, washes, effects. We worked a lot with light tilting to create depth, and we also used smoke, fire... fire is light, too, of course.<\/p><\/blockquote> An artist\u2019s greatness often lies in their versatility. Cabaret<\/em> <\/a><\/strong>is a whole different beast \u2014but naturally, Tiberi embraces the challenge:<\/p> In Cabaret<\/em>, the approach is completely different. It\u2019s an immersive production and although we\u2019re still in the creative process, the challenge is once again the same: finding space for the lights. Only this time, the light is exposed. In Phantom<\/em>, it was hidden. The audience didn\u2019t see it. In Cabaret<\/em>, the lighting is part of the set. Everyone will see it.<\/p><\/blockquote> \u00a0<\/p> Lighting design is not just a technical craft. How do you think about a show when you\u2019re a creative but can\u2019t lose sight of the surgical precision that light demands? Luckily, artistic environments are fertile ground for questioning and transformation.<\/p> Tiberi is clear: the key is thinking like the audience. In the end, it all comes back to emotion and to human reaction:<\/p> There\u2019s no one rule. I adapt to each situation. For example, with Cabaret<\/em>, I started from the tools: I knew I needed dynamic, effect-driven lighting. In Phantom<\/em>, it was the opposite: storytelling was my starting point. Custom Gobos used on The Phantom of the Opera<\/em>. Courtesy of Valerio Tiberi.<\/p> \u00a0<\/p> Tiberi is fascinated by a deeply contemporary concern: in a world blinded by light (computers, phones...) we\u2019ve become unavailable to darkness. We live in a state of overexposure, often without even realizing it.<\/p> Theatre, like some exhibitions, is the only place where you can rediscover darkness. That\u2019s why I always start from the dark. And from there, I build layers. I begin with the black, then work on the amount of light: the white. And if needed, the colors come after. Contrast is essential. I\u2019m not just talking about aesthetics; I\u2019m talking about creating an intimate experience, something the audience doesn\u2019t find in their daily lives.<\/p><\/blockquote> \u201cRediscovering darkness (\u2026) an intimate experience.\u201d <\/em>To train the mind to appreciate privacy and reflective environments \u2014so often linked to solitude and twilight\u2014 has become a monumental act. In this sense, framing theatre as a space that revives our most primal thoughts and relationships isn\u2019t nostalgia: it\u2019s a new form of approach, born from our modern context.<\/p> \u00a0<\/p> Another hallmark of our times: new technologies and the relationships we forge with them. Tiberi acknowledges that AI has helped him streamline tasks and compare ideas:<\/p> It\u2019s like a secretary: I feed it images, concepts, and ask it to try out atmospheres. But of course, AI doesn\u2019t know where to physically place a light in the theatre, or which type to use, or when. It helps optimize, expand your thinking, but not solve the essentials. Despite growing discussions about whether human creativity can be replaced by algorithms, Tiberi reminds us that some things can\u2019t be substituted. Asked about a moment where lighting was crucial to solving a dramaturgical challenge, he shares:<\/p>![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2026\/04\/Cabaret_1440x460.png\")
<\/p>\nHabitar la historia: el relato como experiencia sensorial<\/strong><\/h4>\n
\n
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2026\/04\/SquidGame_1440x460.png\")
<\/p>\nLa l\u00f3gica de la narrativa sensorial<\/strong><\/h4>\n
\n
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2026\/04\/StrangerThings_1440x460.png\")
<\/p>\nEl sonido inmersivo como herencia del arte instalativo<\/strong><\/h4>\n
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2026\/04\/JW_1440x460.png\")
<\/p>\nLa m\u00fasica como arquitectura invisible: experiencias inmersivas contempor\u00e1neas<\/strong><\/h4>\n
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2026\/04\/StarWars_1440x460.png\")
<\/p>\n![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2026\/04\/TimBurton_1440x460.png\")
<\/p>\n![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2026\/04\/Avatar_1440x460.png\"){kind=avatar}
<\/p>\n![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2026\/04\/NE_1440x460.png\")
<\/p>\nWe sat down with Valerio Tiberi to talk about creativity and technique in stage lighting.<\/h3>
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO.jpg\")
<\/p>The challenge of lighting a classic<\/strong><\/h4>
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_2.jpg\")
<\/p>Thinking like the audience<\/strong><\/h4>
But in both cases, I try to keep an artistic mindset from the beginning. I like to think like the audience. The audience doesn\u2019t know if it was hard or easy to achieve an effect; they only know if it moved them. That\u2019s why I try to understand how the human mind reacts to light, to color, to stimuli. And that changes depending on the type of show, the city, the society. It\u2019s not just design: it\u2019s psychology.<\/p><\/blockquote>![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_4.jpg\")
<\/p>\u00a0<\/h4>
Rediscovering darkness<\/strong><\/h4>
Can AI understand theatre?<\/strong><\/h4>
I mostly use it for dramaturgy. I create mental maps of the show, there, it\u2019s useful. But you need time. If you\u2019re working, you\u2019re working. Still, I think many professions could benefit from AI if used wisely.<\/p><\/blockquote>
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_4-2.jpg\")
<\/p>![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_6.jpg\")
<\/p>![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_1.jpg\")
<\/p>