![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2026\/02\/IMG-1.jpg\")
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Cada 14 de febrero no solo intercambiamos flores o promesas, tambi\u00e9n renovamos \u2014de manera pr\u00e1cticamente inconsciente\u2014 una pedagog\u00eda emocional muy concreta.<\/p>\n
San Valent\u00edn existe, en parte, para recordarnos no solo c\u00f3mo deber\u00eda sentirse el amor, sino tambi\u00e9n c\u00f3mo aprender a reconocerlo. En este acuerdo social se legitiman determinados patrones como deseables en el \u00e1mbito rom\u00e1ntico: la intensidad, la exclusividad, la devoci\u00f3n. Un amor que se demuestra a trav\u00e9s del sacrificio y que se celebra cuanto m\u00e1s desborda los l\u00edmites de lo razonable.<\/p>\n
La narrativa rom\u00e1ntica que sostenemos culturalmente no es inocua. Nos ha entrenado para confundir insistencia con entrega, dependencia con profundidad emocional y sufrimiento con autenticidad. Bajo la apariencia de pasi\u00f3n, ciertos comportamientos dejan de parecernos alarmantes y pasan a leerse como inevitables, incluso deseables.<\/p>\n
Quiz\u00e1 por eso algunas historias no nos incomodan como deber\u00edan. Porque no las miramos desde el lugar del horror, sino desde el de la empat\u00eda rom\u00e1ntica.<\/p>\n
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Estas percepciones del amor, que hoy podemos identificar como problem\u00e1ticas, est\u00e1n profundamente ligadas a los pilares conceptuales y est\u00e9ticos del Romanticismo literario del siglo XIX<\/strong>. En este marco, el \u00fanico amor leg\u00edtimo es el intenso, el obsesivo y el sacrificado. Una marejada emocional que arrastra consigo un malestar profundo, donde el dolor y el aferramiento dejan de ser s\u00edntomas para convertirse en virtudes intr\u00ednsecas del v\u00ednculo amoroso.<\/p>\n El Romanticismo fija su mirada en el sujeto aislado: el genio incomprendido cuyas acciones de desbordamiento emocional encuentran justificaci\u00f3n en la propia existencia de su sufrimiento. En paralelo, la figura de la amada se construye como musa y promesa de salvaci\u00f3n. Su valor narrativo no reside en qui\u00e9n es, sino en cu\u00e1nto puede reparar, redimir o contener al sujeto herido.<\/p>\n Desde esta l\u00f3gica, se refuerzan ideales de relaci\u00f3n marcados por la codependencia, el control y la disoluci\u00f3n de la individualidad en favor de un yo conjunto. Un \u00abnosotros\u00bb que no llega a ser tal, porque no nace del reconocimiento mutuo, sino del sacrificio: la labranza forzada de un territorio afectivo com\u00fan y la creaci\u00f3n de una identidad h\u00edbrida donde las singularidades quedan subordinadas a la simbiosis.<\/p>\n No es casual que uno de los grandes mitos fundacionales de este imaginario siga regresando con fuerza. Cumbres borrascosas<\/em>, publicada en 1847, vuelve ahora a la conversaci\u00f3n cultural con una nueva adaptaci\u00f3n cinematogr\u00e1fica, dirigida por Emerald Fennell, que se estrena en v\u00edsperas de San Valent\u00edn. Heathcliff y Catherine han sido le\u00eddos durante generaciones como amantes tr\u00e1gicos, cuando en realidad encarnan con precisi\u00f3n una relaci\u00f3n basada en la posesi\u00f3n, la dependencia emocional y la venganza como terreno de juego. Su historia no es una exaltaci\u00f3n del amor rom\u00e1ntico, sino una advertencia que hemos aprendido a consumir como fantas\u00eda.<\/p>\n <\/p>\n <\/p>\n \u00bfHasta qu\u00e9 punto la idealizaci\u00f3n de determinadas actitudes en las relaciones humanas puede volverse peligrosa? \u00bfCu\u00e1nto cuesta desmontar mitos que se mueven en ese territorio ambiguo entre el pr\u00edncipe azul y el amante solitario, entre la devoci\u00f3n absoluta y el aislamiento rom\u00e1ntico? \u00bfY qu\u00e9 ocurre cuando el imaginario cultural nos ha ense\u00f1ado a desconfiar de un amor que no promete sacrificio extremo, incluso cuando ese sacrificio roza \u2014o directamente cruza\u2014 la frontera de la violencia emocional?<\/p>\n El Fantasma de la \u00d3pera<\/a><\/em><\/strong> <\/span>puede leerse, en este sentido, como una de las \u00faltimas grandes herencias del Romanticismo. No tanto por su est\u00e9tica g\u00f3tica o su exaltaci\u00f3n de la pasi\u00f3n, sino por la l\u00f3gica afectiva que sostiene a su protagonista: la del sujeto herido que convierte su aislamiento en identidad y su deseo en derecho.<\/p>\n Si hacemos un ejercicio de desmontaje est\u00e9tico y analizamos al Fantasma despojado de su m\u00fasica, su capa y su m\u00e1scara, la pregunta es inevitable: \u00bfseguir\u00edamos obviando sus acciones o recuperar\u00edamos el rechazo natural que deber\u00edan provocar? Lo que queda entonces no es un amante tr\u00e1gico, sino un hombre obsesionado con una joven a la que intenta vincularse mediante la manipulaci\u00f3n emocional: se presenta como la voz de su padre fallecido, utiliza la m\u00fasica como herramienta de dependencia y fuerza una intimidad que nunca ha sido consentida.<\/p>\n Su conducta avanza r\u00e1pidamente hacia el control y la coerci\u00f3n. La vigila desde las sombras, irrumpe en su espacio privado, la secuestra y la a\u00edsla, cuestiona sus v\u00ednculos con la persona a la que ella ama y desestima cualquier negativa como si fuera un obst\u00e1culo narrativo. Cuando Christine se resiste, la respuesta no es la retirada, ocurre entonces la escalada: amenazas, castigos simb\u00f3licos y la imposici\u00f3n de un matrimonio como \u00fanica salida posible.<\/p>\n <\/p>\n <\/p>\n El formato en que se narra una historia, si bien no altera los hechos fundamentales del relato, s\u00ed puede transformar radicalmente su recepci\u00f3n. A nivel de guion y de lenguaje musical, El Fantasma de la \u00d3pera<\/em> desplaza el foco emocional desde las acciones del personaje hacia su sufrimiento, invitando al espectador a leer la violencia como consecuencia del dolor y no como elecci\u00f3n. El resultado es una inversi\u00f3n perceptiva: aquello que deber\u00eda provocar alarma se presenta como tragedia \u00edntima.<\/p>\n Desde el punto de vista dramat\u00fargico, el Fantasma ocupa el centro emocional del conflicto. Sus n\u00fameros musicales articulan su relato interno, dot\u00e1ndolo de profundidad psicol\u00f3gica, mientras que Christine queda relegada con frecuencia al papel de catalizadora de ese dolor. La m\u00fasica establece entonces una jerarqu\u00eda: quien canta sus heridas es quien merece comprensi\u00f3n. As\u00ed, el guion construye una empat\u00eda estructural con el agresor, no porque oculte sus actos, sino porque los envuelve en una l\u00f3gica de justificaci\u00f3n emocional.<\/p>\n A nivel musical, esta operaci\u00f3n se vuelve a\u00fan m\u00e1s eficaz. Las melod\u00edas asociadas al Fantasma \u2014amplias, envolventes, de gran carga l\u00edrica\u2014 activan una respuesta emocional inmediata que neutraliza el juicio cr\u00edtico del espectador. La belleza vocal y la intensidad orquestal funcionan como sustituto de \u00e9tica narrativa: sentimos antes de pensar. Cuando el personaje canta su soledad, su deseo o su herida, la m\u00fasica suaviza el contenido de sus acciones y las reencuadra como expresi\u00f3n de un amor extremo, no como manifestaci\u00f3n de control.<\/p>\n De este modo, el musical alcanza con maestr\u00eda la estetizaci\u00f3n del horror. Y al hacerlo, transforma la experiencia del espectador: ya no asistimos a una historia que deber\u00eda incomodar, sino a una tragedia rom\u00e1ntica que invita a la compasi\u00f3n.<\/p>\n <\/p>\n La melod\u00eda, el tono y la cadencia de la voz pueden convertir palabras simples en instrumentos de persuasi\u00f3n, fascinaci\u00f3n o coerci\u00f3n. En El Fantasma de la \u00d3pera<\/em>, esto se ve con claridad en n\u00fameros como Music of the Night<\/em> o el ic\u00f3nico dueto The Phantom of the Opera<\/em>. La m\u00fasica no solo acompa\u00f1a la acci\u00f3n, sino que gu\u00eda la percepci\u00f3n del espectador<\/strong>, haciendo que un mensaje de control, obsesi\u00f3n y amenaza se lea como seducci\u00f3n y vulnerabilidad compartida.<\/p>\n Consideremos The Phantom of the Opera<\/em>: la letra habla de poder e influencia \u2014\u201cOur strange duet \/ My power over you grows stronger yet\u201d\u2014, pero es la combinaci\u00f3n con las armon\u00edas tensas y el crescendo<\/em> dram\u00e1tico lo que convierte esta afirmaci\u00f3n en un acto de fascinaci\u00f3n est\u00e9tica. Christine canta y resiste, pero la m\u00fasica le otorga al Fantasma un aura irresistible: el c\u00f3mo de la expresi\u00f3n supera al qu\u00e9<\/strong>. La amenaza, el aislamiento y la invasi\u00f3n de su espacio se reinterpretan en el espectador como intimidad intensa.<\/p>\n Un paralelismo moderno puede trazarse con Every Breath You Take<\/em> de The Police. La letra \u2014\u201cEvery breath you take, every move you make, I\u2019ll be watching you\u201d\u2014 podr\u00eda leerse como control obsesivo y vigilancia constante. Pero la melod\u00eda suave, el ritmo pausado y el tono melanc\u00f3lico hacen que se perciba culturalmente como un gesto rom\u00e1ntico. Lo que Sting escribi\u00f3 como obsesi\u00f3n se transforma, en la experiencia del oyente, en afecto leg\u00edtimo.<\/p>\n Tanto en el musical como en la canci\u00f3n pop, el efecto es el mismo: el \u00abc\u00f3mo\u00bb transforma la recepci\u00f3n del mensaje<\/strong>. La melod\u00eda, la armon\u00eda, el ritmo y el tono reconfiguran el juicio moral y emocional del espectador u oyente, y permiten que comportamientos que deber\u00edan provocar alarma sean experimentados como belleza y emoci\u00f3n.<\/p>\n <\/p>\n <\/p>\n Es imperativo que, como p\u00fablico, sepamos activar una distancia cr\u00edtica que nos permita mirar estas historias desde el prisma adecuado. La m\u00fasica, el tono y la puesta en escena tienen un poder emocional enorme: pueden embellecer la violencia y romantizar el control. Reconocer ese mecanismo no implica renunciar al placer est\u00e9tico ni negar el valor art\u00edstico de la obra; implica, precisamente, asumirlo con mayor madurez. Podemos admirar la complejidad musical y narrativa de El Fantasma de la \u00d3pera<\/em> \u2014su sofisticaci\u00f3n formal, su capacidad de seducci\u00f3n\u2014 sin aceptar como deseables las actitudes que pone en juego. Porque disfrutar de una historia no exige absolver moralmente a sus personajes, y entender c\u00f3mo el arte manipula nuestra empat\u00eda es, hoy m\u00e1s que nunca, una forma de responsabilidad cultural.<\/p>\n <\/p>\n Por La Pluma de LETSGO, Claudia P\u00e9rez Carbonell, a 12 de febrero de 2026<\/p>\n <\/p>\n <\/p>\n \u00a0<\/span><\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":" Romanticismo, musical y cultura pop en la construcci\u00f3n de un mito afectivo peligroso. Cada 14 de febrero no solo intercambiamos flores o promesas, tambi\u00e9n renovamos \u2014de manera pr\u00e1cticamente inconsciente\u2014 una pedagog\u00eda emocional muy concreta. San Valent\u00edn existe, en parte, para recordarnos no solo c\u00f3mo deber\u00eda sentirse el amor, sino tambi\u00e9n c\u00f3mo aprender a reconocerlo. 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He has received numerous awards, including the Italian Musical Oscar and Best Lighting Design.<\/p> His work strikes a natural balance between technical precision and aesthetic sensitivity \u2014which is no small feat. In this interview, he opens up about his creative process, his reflections, and the challenges of lighting vastly different worlds: the theatre stage and the fashion runway.<\/p> \u00a0<\/p> Tiberi recalls that his relationship with LETSGO dates back at least to 2016, when they produced Dirty Dancing<\/em> in Spain for the first time:<\/p> I came with Federico Bellone; we were the original creative team. Since then, we\u2019ve done many productions [with LETSGO], but without a doubt, the most successful one is The Phantom of the Opera<\/a><\/strong><\/em>.<\/p><\/blockquote> Being part of the first Spanish-language production of one of the most successful musicals in history was a challenge in every sense. Tiberi remembers staging Phantom<\/em> at Teatro Alb\u00e9niz as \u201ca very difficult project.\u201d This is where the intricacies of lighting design come into play, when theory meets the hard ground of practice:<\/p> The biggest challenge was finding the physical space to place the light. We can all come up with incredible ideas, but my job is to make them into reality.<\/p><\/blockquote> Lighting design by Valerio Tiberi for The Phantom of the Opera<\/em> (Madrid production). Photo: LETSGO.<\/p> \u00a0<\/p> It was one of those times when art has to come down to earth: adapting to budgets, technical layouts, timelines, and spatial limitations. Finding the perfect spot for the light, and projecting from there.<\/p> We used very powerful light sources that could do several things at once: specials, washes, effects. We worked a lot with light tilting to create depth, and we also used smoke, fire... fire is light, too, of course.<\/p><\/blockquote> An artist\u2019s greatness often lies in their versatility. Cabaret<\/em> <\/a><\/strong>is a whole different beast \u2014but naturally, Tiberi embraces the challenge:<\/p> In Cabaret<\/em>, the approach is completely different. It\u2019s an immersive production and although we\u2019re still in the creative process, the challenge is once again the same: finding space for the lights. Only this time, the light is exposed. In Phantom<\/em>, it was hidden. The audience didn\u2019t see it. In Cabaret<\/em>, the lighting is part of the set. Everyone will see it.<\/p><\/blockquote> \u00a0<\/p> Lighting design is not just a technical craft. How do you think about a show when you\u2019re a creative but can\u2019t lose sight of the surgical precision that light demands? Luckily, artistic environments are fertile ground for questioning and transformation.<\/p> Tiberi is clear: the key is thinking like the audience. In the end, it all comes back to emotion and to human reaction:<\/p> There\u2019s no one rule. I adapt to each situation. For example, with Cabaret<\/em>, I started from the tools: I knew I needed dynamic, effect-driven lighting. In Phantom<\/em>, it was the opposite: storytelling was my starting point. Custom Gobos used on The Phantom of the Opera<\/em>. Courtesy of Valerio Tiberi.<\/p> \u00a0<\/p> Tiberi is fascinated by a deeply contemporary concern: in a world blinded by light (computers, phones...) we\u2019ve become unavailable to darkness. We live in a state of overexposure, often without even realizing it.<\/p> Theatre, like some exhibitions, is the only place where you can rediscover darkness. That\u2019s why I always start from the dark. And from there, I build layers. I begin with the black, then work on the amount of light: the white. And if needed, the colors come after. Contrast is essential. I\u2019m not just talking about aesthetics; I\u2019m talking about creating an intimate experience, something the audience doesn\u2019t find in their daily lives.<\/p><\/blockquote> \u201cRediscovering darkness (\u2026) an intimate experience.\u201d <\/em>To train the mind to appreciate privacy and reflective environments \u2014so often linked to solitude and twilight\u2014 has become a monumental act. In this sense, framing theatre as a space that revives our most primal thoughts and relationships isn\u2019t nostalgia: it\u2019s a new form of approach, born from our modern context.<\/p> \u00a0<\/p> Another hallmark of our times: new technologies and the relationships we forge with them. Tiberi acknowledges that AI has helped him streamline tasks and compare ideas:<\/p> It\u2019s like a secretary: I feed it images, concepts, and ask it to try out atmospheres. But of course, AI doesn\u2019t know where to physically place a light in the theatre, or which type to use, or when. It helps optimize, expand your thinking, but not solve the essentials. Despite growing discussions about whether human creativity can be replaced by algorithms, Tiberi reminds us that some things can\u2019t be substituted. Asked about a moment where lighting was crucial to solving a dramaturgical challenge, he shares:<\/p>![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2026\/02\/IMG-3.jpg\")
<\/p>\nEl Fantasma de la \u00d3pera: la \u00faltima obra rom\u00e1ntica<\/strong><\/h4>\n
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2026\/02\/IMG-4.jpg\")
<\/p>\nEl musical como dispositivo de blanqueamiento emocional<\/strong><\/h4>\n
El poder del c\u00f3mo: melod\u00eda, tono y manipulaci\u00f3n emocional<\/strong><\/h4>\n
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2026\/02\/IMG-2.jpg\")
<\/p>\nWe sat down with Valerio Tiberi to talk about creativity and technique in stage lighting.<\/h3>
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO.jpg\")
<\/p>The challenge of lighting a classic<\/strong><\/h4>
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_2.jpg\")
<\/p>Thinking like the audience<\/strong><\/h4>
But in both cases, I try to keep an artistic mindset from the beginning. I like to think like the audience. The audience doesn\u2019t know if it was hard or easy to achieve an effect; they only know if it moved them. That\u2019s why I try to understand how the human mind reacts to light, to color, to stimuli. And that changes depending on the type of show, the city, the society. It\u2019s not just design: it\u2019s psychology.<\/p><\/blockquote>![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_4.jpg\")
<\/p>\u00a0<\/h4>
Rediscovering darkness<\/strong><\/h4>
Can AI understand theatre?<\/strong><\/h4>
I mostly use it for dramaturgy. I create mental maps of the show, there, it\u2019s useful. But you need time. If you\u2019re working, you\u2019re working. Still, I think many professions could benefit from AI if used wisely.<\/p><\/blockquote>
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_4-2.jpg\")
<\/p>![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_6.jpg\")
<\/p>![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_1.jpg\")
<\/p>