![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/IMG-6.jpg\")
<\/strong><\/p>\nLady Gaga durante The Mayhem Ball Tour<\/em>, mostrando la teatralidad y el dramatismo de su puesta en escena. Cr\u00e9dito: Lady Gaga Now<\/em><\/p>\n \u00a0<\/strong><\/p>\n The Mayhem Ball Tour<\/em><\/strong>, la \u00faltima gira de Lady Gaga (2025\u20132026), reinterpreta las profundidades del espect\u00e1culo pop desde una concepci\u00f3n abiertamente oper\u00edstica. Concebido como una liturgia del exceso, el show se estructura en cuatro actos y un final\u2014Of Velvet and Vice<\/em>, And She Fell into a Gothic Dream<\/em>, The Beautiful Nightmare That Knows Her Name<\/em>, Every Chessboard Has Two Queens<\/em> y \u00a0Eternal Aria of the Monster Heart<\/em>\u2014, con un encore<\/em> que cierra con broche de oro toda la experiencia: How Bad Do U Want Me<\/em>.<\/p>\n La artista y su equipo \u2014Michael Polansky, Ben Dalgleish, Parris Goebel\u2014 han concebido un montaje que devuelve al pop su ra\u00edz teatral. El escenario, una estructura monumental a medio camino entre un coliseo y una casa de \u00f3pera, act\u00faa como un organismo vivo que atraviesa las mismas transformaciones que la historia que narra.<\/p>\n <\/p>\n Cr\u00e9dito: Lady Gaga Now<\/em><\/p>\n <\/p>\n M\u00e1s all\u00e1 de desplegar su repertorio de \u00e9xitos, Gaga propone un viaje emocional y visual que recorre la oscuridad, la dualidad y el renacimiento. La puesta en escena encarna una narraci\u00f3n simb\u00f3lica sobre la identidad, con veintid\u00f3s bailarines, una banda y un dise\u00f1o esc\u00e9nico que alterna el exceso barroco con la pureza minimalista. Como en toda \u00f3pera, hay un conflicto que, lejos de resolverse, se sublima y se dramatiza magn\u00e1nimamente.<\/p>\n <\/p>\n Hay una herencia oper\u00edstica clara que se revela en cada detalle: la imaginer\u00eda religiosa, la coreograf\u00eda teatral, la espectacularidad de la dramatizaci\u00f3n. Wagner conceb\u00eda la \u00abobra de arte total\u00bb \u2014Gesamtkunstwerk<\/em>\u2014, como la combinaci\u00f3n de varias formas de arte (m\u00fasica, libreto, escenograf\u00eda, iluminaci\u00f3n, etc.) en un \u00fanico producto art\u00edstico. The Mayhem Ball <\/em>encarna ese concepto en su m\u00e1xima expresi\u00f3n.<\/p>\n <\/p>\n Cr\u00e9dito: Lady Gaga Now<\/em><\/p>\n <\/p>\n Gaga reivindica un aspecto central del pop a menudo olvidado: su dimensi\u00f3n performativa. Aunque siempre ha sido un producto comercial y masivo, el pop ha dependido hist\u00f3ricamente del performance<\/em> para construir significado y generar emoci\u00f3n: desde Elvis y Madonna hasta Beyonc\u00e9, el lenguaje corporal, la coreograf\u00eda y la puesta en escena han sido instrumentos estrat\u00e9gicos para comunicar narrativa, identidad y poder simb\u00f3lico. The Mayhem Ball<\/em> amplifica esta tradici\u00f3n, reformulando el espect\u00e1culo como una experiencia inmersiva que retoma la teatralidad de la \u00f3pera para traducirla en un lenguaje contempor\u00e1neo sobre el caos, la dualidad y la reinvenci\u00f3n.<\/p>\n <\/p>\n El cl\u00edmax del cuarto acto del show llega con Shallow<\/em>, y con \u00e9l, la evidencia m\u00e1s expl\u00edcita del di\u00e1logo entre Gaga y la tradici\u00f3n oper\u00edstica. Se habla de la oposici\u00f3n en escena entre dos versiones de la artista \u2014una que representa su lado puro y claro y otra, que encarna el oscuro\u2014, en este punto del show, ambas se enfrentan bajo una lluvia de luces antes de tomarse de las manos, en s\u00edmbolo de coexistencia arm\u00f3nica, para subir a una barca iluminada que se desplaza lentamente por la pasarela en forma de r\u00edo. La referencia es inconfundible: la ic\u00f3nica escena de El Fantasma de la \u00d3pera<\/em><\/a><\/span>, recontextualizado dentro del universo pop.<\/p>\n <\/p>\n Cr\u00e9dito: Lady Gaga Now<\/em><\/p>\n <\/p>\n Sin embargo, la importancia del acto no reside solo en el gui\u00f1o visual. A diferencia de la obra de Lloyd Webber, donde el bote simboliza la tensi\u00f3n entre deseo y peligro, en The Mayhem Ball<\/em> se convierte en un dispositivo narrativo que articula la introspecci\u00f3n y la dualidad de la artista. Contrario a la \u00f3pera, aqu\u00ed el monstruo y la musa son la misma persona, y la narrativa se desarrolla en t\u00e9rminos de identidad y reconciliaci\u00f3n interna m\u00e1s que de romance externo.<\/p>\n Esta apropiaci\u00f3n del mito revela la estrategia de Gaga como productora de performance<\/em>: toma referentes del teatro musical y los reconfigura para que funcionen como estructuras de significado en el pop contempor\u00e1neo. La escena de la barca es esencialmente conceptual: condensa en un gesto la tensi\u00f3n entre lo cl\u00e1sico y lo moderno, entre la teatralidad y la m\u00fasica de masas.<\/p>\n <\/p>\n Lady Gaga en el Mayhem Ball Tour<\/em>. Cr\u00e9dito: Samir Hussein \/ Getty Images<\/em><\/p>\n <\/p>\n Andrew Lloyd Webber lo reconoci\u00f3 con iron\u00eda y admiraci\u00f3n tras verla en directo:<\/p>\n Me encant\u00f3 el concierto de Lady Gaga (\u2026) Me alegr\u00f3 mucho ver una casa de \u00f3pera en el escenario, y a\u00fan m\u00e1s ver una barca con ella dentro siendo remada a trav\u00e9s del gran auditorio. Me record\u00f3 a algo en lo que quiz\u00e1 tuve un peque\u00f1o papel.<\/p>\n<\/blockquote>\n La declaraci\u00f3n de Webber funciona, en efecto, como una aprobaci\u00f3n impl\u00edcita de la reinscripci\u00f3n de la \u00f3pera en un contexto contempor\u00e1neo, y al mismo tiempo, como una reconciliaci\u00f3n simb\u00f3lica entre el teatro musical y la cultura pop.<\/p>\n <\/p>\n Cr\u00e9dito: Lady Gaga Now<\/em><\/strong><\/p>\n <\/p>\n El \u00e9xito de The Mayhem Ball<\/em> no puede entenderse solo como un fen\u00f3meno musical. Forma parte de una tendencia m\u00e1s amplia: la relectura contempor\u00e1nea de los cl\u00e1sicos<\/strong>.<\/p>\n La cultura popular vive una fase de reencantamiento. Despu\u00e9s de d\u00e9cadas de iron\u00eda posmoderna y consumo acelerado, las nuevas narrativas vuelven a mirar hacia lo arquet\u00edpico: los mitos, las estructuras cl\u00e1sicas del drama y la est\u00e9tica del exceso.<\/p>\n <\/p>\n Cr\u00e9dito: Lady Gaga Now<\/em><\/p>\n <\/p>\n Ya sea desde la nostalgia o desde una estrategia de reciclaje creativo, el retorno a los referentes cl\u00e1sicos se ha convertido en una forma leg\u00edtima de innovaci\u00f3n. Pero la pregunta persiste: \u00bfhasta qu\u00e9 punto es realmente nuevo? En el fondo, devolver la mirada al pasado siempre ha sido el gesto m\u00e1s elemental del proceso creativo; la diferencia es que hoy esa apropiaci\u00f3n consciente de lo anterior se exhibe sin pudor y se convierte en parte del discurso est\u00e9tico.<\/p>\n No es una coincidencia. En los \u00faltimos a\u00f1os, una corriente silenciosa ha devuelto al pop su vocaci\u00f3n esc\u00e9nica y casi lit\u00fargica. En lugar de oponerse a lo cl\u00e1sico, muchos artistas est\u00e1n volviendo a dialogar con \u00e9l desde la tecnolog\u00eda, la iron\u00eda o la espiritualidad. Rosal\u00eda, por ejemplo, lo explora en LUX<\/em>: un proyecto donde el imaginario oper\u00edstico se transforma en un edificio sonoro de lo m\u00e1s potente, y la voz se convierte en materia prima para construir un ritual contempor\u00e1neo. Se crea un espacio donde pululan la solemnidad de un oratorio y la precisi\u00f3n de un sintetizador.<\/p>\n Dua Lipa, en cambio, se aproxima desde el terreno de la interpretaci\u00f3n y la escenograf\u00eda. En An Evening with Dua Lipa<\/em>, recontextualiza su repertorio pop junto a una orquesta sinf\u00f3nica en el Royal Albert Hall, trazando un puente directo entre el formato del concierto popular y la estructura del recital cl\u00e1sico. En su propuesta, la coreograf\u00eda, la iluminaci\u00f3n y el tempo orquestal funcionan como parte de una misma dramaturgia sonora, devolviendo al pop su sentido original de espect\u00e1culo total.<\/p>\n <\/p>\n Cr\u00e9dito: Lady Gaga Now<\/em><\/p>\n <\/p>\n Tanto Gaga, como Rosal\u00eda y Dua Lipa, parecen querer rescatar el dramatismo del arte cl\u00e1sico como respuesta org\u00e1nica al progresivo vaciamiento de misterio en la m\u00fasica contempor\u00e1nea. La primera lo hace desde la teatralidad y el cuerpo; la segunda, desde la experimentaci\u00f3n y el silencio; la tercera, desde la composici\u00f3n esc\u00e9nica y la contenci\u00f3n.<\/p>\n Lo cierto es que, una vez superada la nostalgia, lo que subyace es una b\u00fasqueda de conexi\u00f3n aut\u00e9ntica a trav\u00e9s de lo profundo. La cultura pop contempor\u00e1nea, marcada por la inmediatez y el consumo acelerado, parece experimentar un peque\u00f1o resquebrajamiento de su l\u00f3gica habitual cuando grandes iconos reinterpretan su arte desde territorios emocionalmente m\u00e1s complejos.<\/p>\n En Gaga, Rosal\u00eda o Dua Lipa hay un intento de resignificar lo cl\u00e1sico, transformando el espect\u00e1culo y la canci\u00f3n en experiencias que requieren atenci\u00f3n, contemplaci\u00f3n y complicidad. En ese gesto se rescata un mensaje contundente: la m\u00fasica sigue siendo capaz de construir narrativa y de sostener una intensidad emocional que, hasta hace poco, parec\u00eda reservada exclusivamente a los grandes escenarios del teatro y la \u00f3pera.<\/p>\n <\/p>\n Por La Pluma de LETSGO, Claudia P\u00e9rez Carbonell, a 13 de noviembre de 2025<\/p>\n <\/p>\n <\/p>\n \u00a0<\/span><\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":" Del teatro musical al pop lit\u00fargico. 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His professional range spans from opera productions in emblematic venues like the Op\u00e9ra Bastille in Paris and Teatro alla Scala in Milan, to international musicals such as The Phantom of the Opera<\/em><\/a><\/strong>, Cabaret<\/em><\/a><\/strong>, or West Side Story<\/em>; ballet (A Thousand Tales<\/em>, Alice in Wonderland<\/em>, etc.), and haute couture fashion shows for brands like Valentino and Dolce & Gabbana. He has received numerous awards, including the Italian Musical Oscar and Best Lighting Design.<\/p> His work strikes a natural balance between technical precision and aesthetic sensitivity \u2014which is no small feat. In this interview, he opens up about his creative process, his reflections, and the challenges of lighting vastly different worlds: the theatre stage and the fashion runway.<\/p> \u00a0<\/p> Tiberi recalls that his relationship with LETSGO dates back at least to 2016, when they produced Dirty Dancing<\/em> in Spain for the first time:<\/p> I came with Federico Bellone; we were the original creative team. Since then, we\u2019ve done many productions [with LETSGO], but without a doubt, the most successful one is The Phantom of the Opera<\/a><\/strong><\/em>.<\/p><\/blockquote> Being part of the first Spanish-language production of one of the most successful musicals in history was a challenge in every sense. Tiberi remembers staging Phantom<\/em> at Teatro Alb\u00e9niz as \u201ca very difficult project.\u201d This is where the intricacies of lighting design come into play, when theory meets the hard ground of practice:<\/p> The biggest challenge was finding the physical space to place the light. We can all come up with incredible ideas, but my job is to make them into reality.<\/p><\/blockquote> Lighting design by Valerio Tiberi for The Phantom of the Opera<\/em> (Madrid production). Photo: LETSGO.<\/p> \u00a0<\/p> It was one of those times when art has to come down to earth: adapting to budgets, technical layouts, timelines, and spatial limitations. Finding the perfect spot for the light, and projecting from there.<\/p> We used very powerful light sources that could do several things at once: specials, washes, effects. We worked a lot with light tilting to create depth, and we also used smoke, fire... fire is light, too, of course.<\/p><\/blockquote> An artist\u2019s greatness often lies in their versatility. Cabaret<\/em> <\/a><\/strong>is a whole different beast \u2014but naturally, Tiberi embraces the challenge:<\/p> In Cabaret<\/em>, the approach is completely different. It\u2019s an immersive production and although we\u2019re still in the creative process, the challenge is once again the same: finding space for the lights. Only this time, the light is exposed. In Phantom<\/em>, it was hidden. The audience didn\u2019t see it. In Cabaret<\/em>, the lighting is part of the set. Everyone will see it.<\/p><\/blockquote> \u00a0<\/p> Lighting design is not just a technical craft. How do you think about a show when you\u2019re a creative but can\u2019t lose sight of the surgical precision that light demands? Luckily, artistic environments are fertile ground for questioning and transformation.<\/p> Tiberi is clear: the key is thinking like the audience. In the end, it all comes back to emotion and to human reaction:<\/p> There\u2019s no one rule. I adapt to each situation. For example, with Cabaret<\/em>, I started from the tools: I knew I needed dynamic, effect-driven lighting. In Phantom<\/em>, it was the opposite: storytelling was my starting point. Custom Gobos used on The Phantom of the Opera<\/em>. Courtesy of Valerio Tiberi.<\/p> \u00a0<\/p> Tiberi is fascinated by a deeply contemporary concern: in a world blinded by light (computers, phones...) we\u2019ve become unavailable to darkness. We live in a state of overexposure, often without even realizing it.<\/p> Theatre, like some exhibitions, is the only place where you can rediscover darkness. That\u2019s why I always start from the dark. And from there, I build layers. I begin with the black, then work on the amount of light: the white. And if needed, the colors come after. Contrast is essential. I\u2019m not just talking about aesthetics; I\u2019m talking about creating an intimate experience, something the audience doesn\u2019t find in their daily lives.<\/p><\/blockquote> \u201cRediscovering darkness (\u2026) an intimate experience.\u201d <\/em>To train the mind to appreciate privacy and reflective environments \u2014so often linked to solitude and twilight\u2014 has become a monumental act. In this sense, framing theatre as a space that revives our most primal thoughts and relationships isn\u2019t nostalgia: it\u2019s a new form of approach, born from our modern context.<\/p> \u00a0<\/p> Another hallmark of our times: new technologies and the relationships we forge with them. Tiberi acknowledges that AI has helped him streamline tasks and compare ideas:<\/p> It\u2019s like a secretary: I feed it images, concepts, and ask it to try out atmospheres. But of course, AI doesn\u2019t know where to physically place a light in the theatre, or which type to use, or when. It helps optimize, expand your thinking, but not solve the essentials. Despite growing discussions about whether human creativity can be replaced by algorithms, Tiberi reminds us that some things can\u2019t be substituted. Asked about a moment where lighting was crucial to solving a dramaturgical challenge, he shares:<\/p>La herencia oper\u00edstica en el pop de Lady Gaga<\/strong><\/h4>\n
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/IMG-1-1.jpg\")
<\/p>\nLa dimensi\u00f3n performativa del pop<\/strong><\/h4>\n
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/IMG-4-1.jpg\")
<\/p>\nUn gui\u00f1o a lo cl\u00e1sico. El Fantasma de la \u00d3pera<\/em> desde el pop<\/strong><\/h4>\n
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/IMG-3-1.jpg\")
<\/p>\n![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/IMG-8.jpg\")
<\/p>\n\n
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/IMG-7.jpg\")
<\/p>\nEl regreso de lo cl\u00e1sico al pop contempor\u00e1neo<\/strong><\/h4>\n
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/IMG-2-1.jpg\")
<\/p>\n![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/IMG-5-1.jpg\")
<\/p>\nWe sat down with Valerio Tiberi to talk about creativity and technique in stage lighting.<\/h3>
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO.jpg\")
<\/p>The challenge of lighting a classic<\/strong><\/h4>
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_2.jpg\")
<\/p>Thinking like the audience<\/strong><\/h4>
But in both cases, I try to keep an artistic mindset from the beginning. I like to think like the audience. The audience doesn\u2019t know if it was hard or easy to achieve an effect; they only know if it moved them. That\u2019s why I try to understand how the human mind reacts to light, to color, to stimuli. And that changes depending on the type of show, the city, the society. It\u2019s not just design: it\u2019s psychology.<\/p><\/blockquote>![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_4.jpg\")
<\/p>\u00a0<\/h4>
Rediscovering darkness<\/strong><\/h4>
Can AI understand theatre?<\/strong><\/h4>
I mostly use it for dramaturgy. I create mental maps of the show, there, it\u2019s useful. But you need time. If you\u2019re working, you\u2019re working. Still, I think many professions could benefit from AI if used wisely.<\/p><\/blockquote>
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_4-2.jpg\")
<\/p>![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_6.jpg\")
<\/p>![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_1.jpg\")
<\/p>