![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/LG-BLOG_COLLAGE-WEB_1440x460.jpg\")
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Cada oto\u00f1o, el foco cultural y religioso de Occidente se desplaza hacia los muertos. En buena parte del mundo cat\u00f3lico, el D\u00eda de Todos los Santos mantiene un tono solemne de oraci\u00f3n y recogimiento; en M\u00e9xico, el D\u00eda de Muertos<\/strong> lo transforma en una celebraci\u00f3n colorida y simb\u00f3lica. En lugar de rezar por los difuntos, se convive con ellos: se preparan altares, se ofrece su comida favorita y se celebra su recuerdo como una visita anual que devuelve vida a los ausentes.<\/p>\n Mientras tanto, en el \u00e1mbito anglosaj\u00f3n, Halloween<\/strong> convierte la misma relaci\u00f3n con la muerte en un espect\u00e1culo l\u00fadico y de consumo: disfraces, m\u00e1scaras, luces naranjas y un terror domesticado. Con la globalizaci\u00f3n, esta versi\u00f3n comercial y festiva se ha extendido m\u00e1s all\u00e1 de sus fronteras originales, encontrando eco en ciudades de todo el mundo. Dos tradiciones distintas que, en el fondo, buscan lo mismo: reconciliarse con la idea de la muerte, ya sea desde la devoci\u00f3n o desde el juego.<\/p>\n <\/p>\n <\/p>\n El limbo que surge entre ambas miradas ha resultado siempre un terreno f\u00e9rtil para la creatividad. Las mentes m\u00e1s retorcidas y visionarias, e incluso marginadas, encuentran inspiraci\u00f3n en ese no lugar y en todos los temas et\u00e9reos que lo circundan. Tim Burton<\/strong> es uno de los casos m\u00e1s emblem\u00e1ticos: su cine hace de la oscuridad un lugar habitable. Ha desarrollado una est\u00e9tica que acerca lo g\u00f3tico y lo extra\u00f1o a todo tipo de espectadores, en su universo la muerte ha dejado de ser tab\u00fa y sus personajes son la simbiosis perfecta entre lo macabro y lo entra\u00f1able.<\/p>\n <\/p>\n El imaginario f\u00fanebre que pobla los espacios burtonianos es reconocible desde el primer instante: la melancol\u00eda, el goticismo, la belleza de lo raro y lo deforme. Sus personajes son igualmente profundos en alienaci\u00f3n, soledad, incomprensi\u00f3n y emociones complejas.<\/p>\n Burton construye su po\u00e9tica visual a trav\u00e9s de detalles concretos. Sus protagonistas suelen tener ojos exageradamente grandes o cavidades faciales pronunciadas, amplificando la vulnerabilidad y la intensidad emocional. Su paleta de colores se centra muchas veces en negros, grises y azules, reforzando la sensaci\u00f3n de extra\u00f1eza y melancol\u00eda. Un ejemplo claro lo tenemos en La novia cad\u00e1ver<\/em>: el mundo de los vivos se representa casi siempre en blanco y negro, austero y r\u00edgido, mientras que el mundo de los muertos explota en colores, transformando la muerte en algo festivo y cercano.<\/p>\n <\/p>\n <\/p>\n Sus escenarios tambi\u00e9n participan de esta po\u00e9tica: casas inclinadas, calles tortuosas, \u00e1rboles retorcidos, todos funcionando como extensiones de la psicolog\u00eda de los personajes. Se desarrolla entonces un lenguaje de lo grotesco y lo macabro, que se integran org\u00e1nicamente a la narrativa visual de su mundo.<\/p>\n Esta deformaci\u00f3n deliberada de cuerpos y espacios establece un paralelismo evidente con el expresionismo alem\u00e1n y obras ic\u00f3nicas como El Grito<\/em>, de Edvard Munch: la geometr\u00eda torcida, los rostros desproporcionados y las figuras angustiadas buscan transmitir emociones m\u00e1s que reproducir la realidad. Al igual que los expresionistas, Burton utiliza la exageraci\u00f3n para comunicar lo interno, y en el proceso le ata\u00f1e a lo oscuro un nuevo signo de ternura.<\/p>\n \u00a0<\/strong><\/p>\n Vivimos en una \u00e9poca donde lo extra\u00f1o ya no extra\u00f1a. La globalizaci\u00f3n ha diluido los l\u00edmites culturales y est\u00e9ticos hasta convertir lo bizarro en algo previsible. El horror, el exceso o la diferencia ya no descolocan, sino que se consumen con gusto. Lo inquietante ha perdido su poder de desajuste, anestesiado por una sociedad que lo ha visto todo, que metaboliza incluso aquello que alguna vez le result\u00f3 perturbador.<\/p>\n Freud (1919) defini\u00f3 \u00ablo siniestro\u00bb como el retorno de lo familiar desde lo reprimido: aquello que reconocemos pero nos rehusamos a mirar. En la sociedad contempor\u00e1nea, sin embargo, ese retorno ya no provoca sobresalto. La incomodidad ha sido sustituida por la est\u00e9tica, y lo abyecto \u2014en el sentido que le dio Kristeva (1980), como lo que amenaza la identidad o el orden simb\u00f3lico\u2014 se vuelve objeto de deseo y consumo.<\/p>\n <\/p>\n <\/p>\n En ese tr\u00e1nsito, \u00ablo raro\u00bb ha seguido una evoluci\u00f3n parad\u00f3jica. De ser lo marginado pas\u00f3 a ser lo celebrado, y finalmente lo integrado. Durante los a\u00f1os setenta y ochenta, lo exc\u00e9ntrico funcionaba como contracultura, una afirmaci\u00f3n de la diferencia frente al canon; hoy, en cambio, su presencia apenas genera disonancia. Lo g\u00f3tico, lo melanc\u00f3lico o lo exc\u00e9ntrico son ahora productos de un cat\u00e1logo social. Fen\u00f3menos como Wednesday<\/em> o el revival est\u00e9tico del dark glamour<\/em> confirman que lo que antes fue subversivo ahora se ha vuelto decorativo: la otredad transformada en tendencia.<\/p>\n Podr\u00eda decirse que hemos llegado a una fase de aceptaci\u00f3n extrema, donde toda diferencia se asimila sin conflicto. Pero \u00bfes esa aceptaci\u00f3n una forma de apertura o una se\u00f1al de agotamiento? Estamos tan saturados de est\u00edmulos que el asombro se diluye: ya no hay rareza posible porque todo puede ser absorbido por la maquinaria del gusto y del mercado. En esta \u00absociedad del espect\u00e1culo\u00bb, como anticip\u00f3 Debord (1967), incluso lo marginal se integra como parte del circuito de consumo.<\/p>\n Quiz\u00e1 el mayor riesgo de esta anestesia de lo extra\u00f1o no sea est\u00e9tico, sino cognitivo. Cuando todo puede ser integrado sin fricci\u00f3n, perdemos algo esencial: la capacidad de leer el mundo con extra\u00f1eza. La mirada humana, que alguna vez fue anal\u00edtica, simb\u00f3lica y capaz de interpretar los signos de lo inusual, se desliza ahora sobre las superficies. Lo que deber\u00eda interpelarnos se convierte en un patr\u00f3n reconocible.<\/p>\n Esa p\u00e9rdida de la perturbaci\u00f3n implica tambi\u00e9n una p\u00e9rdida de pensamiento. Sin el asombro \u2014ese primer movimiento de distancia cr\u00edtica frente a lo que no comprendemos\u2014, el juicio se adormece y la imaginaci\u00f3n se reduce al gesto de consumo.<\/p>\n <\/p>\n <\/p>\n En este contexto de asimilaci\u00f3n de lo extra\u00f1o, Tim Burton: El Laberinto<\/em><\/strong><\/a><\/span>, actualmente en Ciudad de M\u00e9xico, surge como un ejercicio de reencantamiento: una experiencia que devuelve al espectador la posibilidad de recorrer lo ins\u00f3lito desde dentro. Con esta exposici\u00f3n, LETSGO ha conseguido traducir la obra visual de Burton a un formato inmersivo, a trav\u00e9s de la percepci\u00f3n del espacio como extensi\u00f3n del universo del cineasta: cada sala y cada rinc\u00f3n funcionan como fragmentos de su imaginaci\u00f3n, un recorrido que nunca es lineal y que se siente m\u00e1s como un paseo por la mente del propio Burton que como un itinerario tradicional.<\/p>\n La est\u00e9tica no est\u00e1 solo en la decoraci\u00f3n, sino en c\u00f3mo los visitantes la experimentan: los contrastes de luz y sombra, los colores que encarnan emociones, los sonidos inquietantes y, a la vez, entra\u00f1ables, todo contribuye a sumergir al espectador en un mundo donde lo macabro se vuelve cercano y lo extra\u00f1o, familiar.<\/p>\n El recorrido fragmentado refleja la l\u00f3gica de sus pel\u00edculas: no hay un \u00fanico camino ni un orden r\u00edgido; el visitante se mueve entre espacios que se superponen y se contradicen, como pensamientos o recuerdos que chocan dentro de la mente del creador. As\u00ed, LETSGO convierte la experiencia en algo m\u00e1s que un homenaje visual: recrea la sensaci\u00f3n de habitar un universo donde la deformidad y la melancol\u00eda son parte de la belleza.<\/p>\n <\/p>\n <\/p>\n No es casualidad que Tim Burton: El Laberinto<\/em><\/span><\/a> haya llegado a Ciudad de M\u00e9xico. La ciudad comparte con el director una sensibilidad \u00fanica hacia lo extra\u00f1o y lo sombr\u00edo: su cultura celebra la muerte con un colorido y una cercan\u00eda que parecen surgidos de un relato g\u00f3tico. Los altares, las calaveras y los rituales del D\u00eda de Muertos reflejan una familiaridad con lo et\u00e9reo y lo oscuro que convierte a los habitantes locales en c\u00f3mplices naturales del universo burtoniano. No es solo una exposici\u00f3n: es un encuentro entre la est\u00e9tica de Burton y la tradici\u00f3n mexicana de venerar la muerte como parte de la vida, donde el visitante se siente inmediatamente en casa, una casa que no es m\u00e1s que el laberinto de emociones y deformidades entra\u00f1ables.<\/p>\n <\/p>\n Tim Burton: El Laberinto<\/em><\/span><\/a> no es solo un homenaje visual, sino una experiencia que invita a repensar la manera en que percibimos lo que nos resulta extra\u00f1o. En cada sala, la deformidad deja de ser un defecto est\u00e9tico para convertirse en un c\u00famulo de emociones, incomprensiones y vulnerabilidades. El espectador no se enfrenta a una experiencia puramente contemplativa, sino que habita de lleno el mundo del artista, en un di\u00e1logo permanente entre la melancol\u00eda, la fantas\u00eda y la celebraci\u00f3n de la muerte propia de Ciudad de M\u00e9xico. Al final del recorrido, queda la sensaci\u00f3n de haber transitado un laberinto de ideas y sentimientos, donde lo sombr\u00edo se vuelve conocido, lo raro se vuelve bello y la experiencia redefine lo que entendemos por \u00abmonstruo\u00bb.<\/p>\n <\/p>\n Por La Pluma de LETSGO, Claudia P\u00e9rez Carbonell, a 5 de noviembre de 2025<\/p>\n <\/p>\n <\/p>\n \u00a0<\/span><\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":" De Munch a Burton, un recorrido por la belleza de lo macabro y su conversi\u00f3n en icono de consumo global. Cada oto\u00f1o, el foco cultural y religioso de Occidente se desplaza hacia los muertos. 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His professional range spans from opera productions in emblematic venues like the Op\u00e9ra Bastille in Paris and Teatro alla Scala in Milan, to international musicals such as The Phantom of the Opera<\/em><\/a><\/strong>, Cabaret<\/em><\/a><\/strong>, or West Side Story<\/em>; ballet (A Thousand Tales<\/em>, Alice in Wonderland<\/em>, etc.), and haute couture fashion shows for brands like Valentino and Dolce & Gabbana. He has received numerous awards, including the Italian Musical Oscar and Best Lighting Design.<\/p> His work strikes a natural balance between technical precision and aesthetic sensitivity \u2014which is no small feat. In this interview, he opens up about his creative process, his reflections, and the challenges of lighting vastly different worlds: the theatre stage and the fashion runway.<\/p> \u00a0<\/p> Tiberi recalls that his relationship with LETSGO dates back at least to 2016, when they produced Dirty Dancing<\/em> in Spain for the first time:<\/p> I came with Federico Bellone; we were the original creative team. Since then, we\u2019ve done many productions [with LETSGO], but without a doubt, the most successful one is The Phantom of the Opera<\/a><\/strong><\/em>.<\/p><\/blockquote> Being part of the first Spanish-language production of one of the most successful musicals in history was a challenge in every sense. Tiberi remembers staging Phantom<\/em> at Teatro Alb\u00e9niz as \u201ca very difficult project.\u201d This is where the intricacies of lighting design come into play, when theory meets the hard ground of practice:<\/p> The biggest challenge was finding the physical space to place the light. We can all come up with incredible ideas, but my job is to make them into reality.<\/p><\/blockquote> Lighting design by Valerio Tiberi for The Phantom of the Opera<\/em> (Madrid production). Photo: LETSGO.<\/p> \u00a0<\/p> It was one of those times when art has to come down to earth: adapting to budgets, technical layouts, timelines, and spatial limitations. Finding the perfect spot for the light, and projecting from there.<\/p> We used very powerful light sources that could do several things at once: specials, washes, effects. We worked a lot with light tilting to create depth, and we also used smoke, fire... fire is light, too, of course.<\/p><\/blockquote> An artist\u2019s greatness often lies in their versatility. Cabaret<\/em> <\/a><\/strong>is a whole different beast \u2014but naturally, Tiberi embraces the challenge:<\/p> In Cabaret<\/em>, the approach is completely different. It\u2019s an immersive production and although we\u2019re still in the creative process, the challenge is once again the same: finding space for the lights. Only this time, the light is exposed. In Phantom<\/em>, it was hidden. The audience didn\u2019t see it. In Cabaret<\/em>, the lighting is part of the set. Everyone will see it.<\/p><\/blockquote> \u00a0<\/p> Lighting design is not just a technical craft. How do you think about a show when you\u2019re a creative but can\u2019t lose sight of the surgical precision that light demands? Luckily, artistic environments are fertile ground for questioning and transformation.<\/p> Tiberi is clear: the key is thinking like the audience. In the end, it all comes back to emotion and to human reaction:<\/p> There\u2019s no one rule. I adapt to each situation. For example, with Cabaret<\/em>, I started from the tools: I knew I needed dynamic, effect-driven lighting. In Phantom<\/em>, it was the opposite: storytelling was my starting point. Custom Gobos used on The Phantom of the Opera<\/em>. Courtesy of Valerio Tiberi.<\/p> \u00a0<\/p> Tiberi is fascinated by a deeply contemporary concern: in a world blinded by light (computers, phones...) we\u2019ve become unavailable to darkness. We live in a state of overexposure, often without even realizing it.<\/p> Theatre, like some exhibitions, is the only place where you can rediscover darkness. That\u2019s why I always start from the dark. And from there, I build layers. I begin with the black, then work on the amount of light: the white. And if needed, the colors come after. Contrast is essential. I\u2019m not just talking about aesthetics; I\u2019m talking about creating an intimate experience, something the audience doesn\u2019t find in their daily lives.<\/p><\/blockquote> \u201cRediscovering darkness (\u2026) an intimate experience.\u201d <\/em>To train the mind to appreciate privacy and reflective environments \u2014so often linked to solitude and twilight\u2014 has become a monumental act. In this sense, framing theatre as a space that revives our most primal thoughts and relationships isn\u2019t nostalgia: it\u2019s a new form of approach, born from our modern context.<\/p> \u00a0<\/p> Another hallmark of our times: new technologies and the relationships we forge with them. Tiberi acknowledges that AI has helped him streamline tasks and compare ideas:<\/p> It\u2019s like a secretary: I feed it images, concepts, and ask it to try out atmospheres. But of course, AI doesn\u2019t know where to physically place a light in the theatre, or which type to use, or when. It helps optimize, expand your thinking, but not solve the essentials. Despite growing discussions about whether human creativity can be replaced by algorithms, Tiberi reminds us that some things can\u2019t be substituted. Asked about a moment where lighting was crucial to solving a dramaturgical challenge, he shares:<\/p>![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/IMG-1.jpg\")
<\/p>\nEl universo <\/strong>burtoniano<\/em><\/strong>: la deformidad f\u00edsica como extensi\u00f3n de lo interno<\/strong><\/h4>\n
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/IMG-4.jpg\")
<\/p>\nLa cultura contempor\u00e1nea y la disoluci\u00f3n de lo extra\u00f1o<\/strong><\/h4>\n
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/IMG-5.jpg\")
<\/p>\n![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/IMG-3.jpg\")
<\/p>\nDel boceto a la experiencia. LETSGO y Tim Burton: El Laberinto<\/em> <\/a><\/strong><\/h4>\n
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/11\/IMG-2.jpg\")
<\/p>\nEntre la muerte y la fantas\u00eda: Burton encuentra hogar en Ciudad de M\u00e9xico<\/strong><\/h4>\n
M\u00e1s all\u00e1 del miedo: habitar lo extra\u00f1o<\/strong><\/h4>\n
We sat down with Valerio Tiberi to talk about creativity and technique in stage lighting.<\/h3>
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO.jpg\")
<\/p>The challenge of lighting a classic<\/strong><\/h4>
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_2.jpg\")
<\/p>Thinking like the audience<\/strong><\/h4>
But in both cases, I try to keep an artistic mindset from the beginning. I like to think like the audience. The audience doesn\u2019t know if it was hard or easy to achieve an effect; they only know if it moved them. That\u2019s why I try to understand how the human mind reacts to light, to color, to stimuli. And that changes depending on the type of show, the city, the society. It\u2019s not just design: it\u2019s psychology.<\/p><\/blockquote>![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_4.jpg\")
<\/p>\u00a0<\/h4>
Rediscovering darkness<\/strong><\/h4>
Can AI understand theatre?<\/strong><\/h4>
I mostly use it for dramaturgy. I create mental maps of the show, there, it\u2019s useful. But you need time. If you\u2019re working, you\u2019re working. Still, I think many professions could benefit from AI if used wisely.<\/p><\/blockquote>
![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_4-2.jpg\")
<\/p>![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_6.jpg\")
<\/p>![\"\"](\"https:\/\/www.letsgocompany.com\/wp-content\/uploads\/2025\/07\/LG-BLOG_ENTREVISTA-VALERIO_1.jpg\")
<\/p>